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映画音楽の巨匠エンニオ・モリコーネを紹介します

世界の映画音楽界を代表する巨匠。
1928年11月10日、イタリアのローマ生まれ。ローマ音楽院で作曲・編曲を学び，ラジオやテレビ、そして舞台などの音楽の仕事を経て、1960年から映画音楽の世界に進出。

映画監督のセルジオ・レオーネと組んだ“マカロニ・ウエスタン”の一連の作品で大きな脚光を浴び，その後も精力的に数々の映画音楽を担当。

メロディ・ライターとしての才能、さらにクラシックからポップス調のものまで幅広くこなすその守備範囲の広さは特筆もので、多作家でもあり、現在までに驚くべき本数の映画音楽を手がけている。

代表作には「荒野の用心棒」(1964)、「夕陽のガンマン」(1965)、「続・夕陽のガンマン／地獄の決斗」(1966)、「ウエスタン」(1968)、「アラビアンナイト」（1974）､「１９００年」(1976)、「ワンス・アポン・ア・タイム・イン・アメリカ(1984)、「ミッション」(1985)、「ニュー・シネマ・パラダイス」(1989)、「海の上のピアニスト」(1999)、「マレーナ」」(2000)などがある。昨年、2003年のNHK大河ドラマ「武蔵 MUSASHI」のサントラを手がけ，国内外で大きな話題を呼んだのもまだ記憶に新しい。

◆モリコーネの映画音楽の特質

　

　まず、モリコーネという人が魅惑的なメロディーを書く天性に恵まれていたことです。これはもう、テクニック云々以前の問題です。

　しかし、独自のモリコーネ・サウンドは、「全く異質な音響の組み合わせ」から生まれます。これは、「新しい音色へのあくことなき追求」から導かれたものでしょう。その旺盛な実験精神と前衛的手法は、彼が現代音楽の作曲家だという事実と切り離せません。

　彼の映画音楽の多くは、従来のような「主題の対立と発展」というヨーロッパ音楽を支配した原理ではなく、「オブジェ化された音の並列と対照」という新しいコンセプトで構成されています。

　どういうことかというと、特定のメロディーが特定のリズムや強弱と結びつけられ、常にその形で用いらる---つまり、全ての音の属性が固定化され、いわば「音のオブジェ」として用られるのです。　このような作曲法の場合、音の属性の一つとしての音色の斬新さは、とてつもなく重要となってきます。だからこそ、モリコーネはあれほど貪欲に新しい響きを追求するのです。

　そして、このような音のオブジェ化という思想は、「セリエリスム（セリー主義）」や「ミュジック・コンクレート」などの現代音楽の原理と相通ずるのです。

　

モリコーネの音楽のもう一つの特徴は、即興性です。

　彼の音楽には、口笛やオカリナ、非楽音など、楽譜に正確に写しきれない微妙な音を使ったものが多いことが特徴です。

例えばマカロニ音楽に於ける口笛は、アレッサンドローニの口笛が必要で、あれを違う口笛でやられては別の音楽になってしまいます。

　このように、モリコーネは一回こっきりのプレーヤーとのセッションの中で、そのアンサンブルにふさわしい音楽を書き、プレーヤーには自由にやらせることが多いのです。

　実は譜面に囚われない即興性も、現代音楽（とジャズ）のムーヴメントから生まれてきたもので、その著しいものにはジョン・ケージの「偶然性の音楽」があります。

　

さらに、モリコーネの音楽には、同じ音型を執拗に繰り返すという特徴があります。

　これも1980年代以降「ミニマル・ミュージック」として現代音楽の一大潮流になった手法を先取りしていたと言えるでしょう。

　ちなみに、「ミニマル」「偶然性」「微分調性」などは従来の西洋音楽には存在しなかった概念ですが、民族音楽では普通に使われているテクニックです。

モリコーネが民族音楽や民族楽器の使用に熱心で、時には動物の鳴き声を研究したりするのも、このためなのです（そういえばフランスの現代音楽の巨匠メシアンは鳥の鳴き声に凝って、それを採譜して自分の音楽に取り込んでいました）。

　

そして最後に、彼の音楽にしばしば聴かれる耽美的な瞬間。

『ウェスタン』のジルのテーマや、『プロフェッショナル』の「Chi Mai」、『ワンス・アポン・ア・タイム・イン・アメリカ』の「コックアイズ・ソング」、『ニュー・シネマ・パラダイス』などの安らぎに満ちた響きはその代表例ですが、これらは昨今の"癒し"系音楽の先駆だったわけです。

　現代音楽もモリコーネの後を追うように、グレツキの交響曲第３番「悲歌」Op.36やアルヴォ・ペルトの諸作をきっかけに一斉に調性復帰・静寂志向へと流れを変えたのです。